Известные натюрморты

 

И. Машков "Натюрморт" (1930)

Слово «натюрморт» с французского языка переводится как «мёртвая природа» (фр. nature morte).

О натюрморте

Всё, что уже не живёт, не дышит, что сорвано, срезано, но продолжает радовать человека своим существованием – всё это является предметом натюрморта.

Как самостоятельный жанр живописи натюрморт начинает существовать в XVII в. в творчестве голландских и фламандских художников. А раньше он был лишь украшением и выполнял утилитарную функцию.

Ранние натюрморты часто содержали скрытую аллегорию (иносказание), которая выражалась через обыденные предметы, наделённые символическим значением. Иногда в натюрмортах изображали череп, который должен был напоминать о быстротечности жизни и неизбежности смерти.

Аллегорический натюрморт назывался Ванитас (лат. vanitas. букв. «суета, тщеславие»). Его композиционным центром традиционно является человеческий череп.

Бартоломеус Брейн Старший (I пол. XVI в.). Ванитас

«Суета сует, – сказал Екклесиаст, – суета сует, — всё суета!».

Виллем Клас Хеда. Ванитас

Череп символизирует бренность человеческой жизни. Курительная трубка – символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений. Стекло символизирует хрупкость жизни. Ключи – власть домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож напоминает об уязвимости человека и о его смертности. Лист бумаги обычно с нравоучительным (часто пессимистическим) изречением. Например:

Hodie mihi cras tibi – сегодня мне, завтра тебе;

Memento mori – помни о смерти;

Aeterne pungit cito volat et occidit – слава о геройских поступках развеется точно так же, как и сон;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum – всё разрушается смертью, смерть – последняя граница всех вещей;

Nil omne – всё — это ничего.

Но чаще всё-таки в натюрмортах чувствуется любование художника предметами: кухонной утварью, цветами, фруктами, предметами быта – такие картины заказчики приобретали для украшения интерьеров своих домов.

С середины XVII в. натюрморт в нидерландской живописи получил широкое распространение уже как самостоятельный жанр. И одним из самых первых выделился цветочный натюрморт, особенно в произведениях Амброзиуса Босхарта Старшего и Бальтасара ван дер Аста, а далее продолжал своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема во второй половине XVII в. Популярен цветочный натюрморт и у художников нашего времени.

Тематика натюрмортов обширна: это уже упомянутые цветочные натюрморты, изображение завтраков, сервированных столов, учёных натюрмортов, на которых изображались книги и другие предметы человеческой деятельности, музыкальные инструменты и др.

Рассмотрим некоторые наиболее известные натюрморты.

Виллем Клас Хеда (1594-1682) «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)

Виллем Клас Хеда «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)

В этой картине заметно виртуозное мастерство художника в передаче обычных, повседневных предметов быта. Хеда так изображает их, что очевидно, что он сам любуется ими: создаётся ощущения осязаемости каждого из предметов.

На небольшом столе, покрытом богатой тяжёлой скатертью, мы видим лимон и любуемся его янтарной мягкостью, ощущаем аромат свежей ветчины и слышим звон сверкающего серебра. Завтрак окончен, поэтому предметы на столе – в естественном беспорядке.

Серебряная посуда означает земное богатство, ветчина – чувственные радости, лимон – внешнюю красоту, внутри которой скрывается горечь. Картина заключает размышление о том, что следует позаботиться не только о теле, но и о душе.

Натюрморт выдержан в едином коричнево-сером тоне, характерном для всей голландской живописи того времени. Полотно не только красиво, оно ещё и рассказывает о скрытой «тихой жизни» предметов, увиденной внимательным взором художника.

Натюрморт находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Поль Сезанн (1830-1906) «Персики и груши» (1895)

Поль Сезанн "Персики и груши" (1895)

Поль Сезанн был крупнейшим французским художником конца XIX в. Испытав влияние импрессионизма, Сезанн противопоставил им свой метод. Он выступил против их стремления следовать в искусстве лишь своему зрительному впечатлению – он был за объективную передачу действительности, основанную на закономерности в природе. Он хотел видеть не изменчивые, а постоянные её качества. Сезанн говорил: «Я хочу вернуть природе вечность». Художник вёл свои творческие поиски через синтез формы и цвета, формы и пространства. Особенно этот поиск прослеживается в его натюрмортах.

Каждый из предметов в данном натюрморте изображён с разной точки зрения. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты – сбоку, столик – снизу, а кувшин – одновременно с разных точек зрения. Сезанн стремится максимально полно показать форму и объём, свойственные персикам и грушам. Его приём основан на оптическом законе: тёплые цвета (красный, розовый, жёлтый, золотистый) кажутся нам выступающими, а холодные (синий, голубой, зелёный) – отступающими в глубь холста.

Форма предметов в натюрмортах Сезанна не зависит от случайного освещения, а становится постоянной, присущей каждому предмету. Поэтому натюрморты Сезанна кажутся монументальными.

Картина находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Анри Матисс (1869-1954) «Голубая скатерть» (1909)

Анри Матисс «Голубая скатерть» (1909)

Знаменитый французский художник Анри Матисс в зарубежном искусстве XX в. занимает одно из ведущих мест. Но место это особое.

В самом начале XX в. Матисс стал главой первой новой группы в европейской живописи, которое назвали фовизм (от французского «дикий»). Особенностью этого направления была свобода в использовании любого цвета, произвольно выбранного художником, стремление к декоративной красочности. В этом ощущался вызов устоявшимся нормам официального искусства.

Но через некоторое время эта группа распалась, и Матисс более уже не примыкал ни к какому направлению, но избрал свой путь. Своим ясным, жизнерадостным искусством Матисс стремился дать покой измученным душам людей в эмоциональной атмосфере XX в.

В натюрморте «Голубая скатерть» Матисс использует свой любимый композиционный приём: спускающуюся сверху ткань. Материя на переднем плане как бы замыкает пространство полотна, делает его неглубоким. Зритель любуется прихотливой игрой синего орнамента на бирюзовом фоне скатерти, линиями предметов натюрморта. Формы золотистого кофейника, зелёного графина и румяных яблок в вазе художник обобщил, они утратили свою объёмность, а маленькие предметы подчинились ритму ткани, они дополняют красочный акцент картины.

Натюрморт в русской живописи

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII в. но первоначально он рассматривался как «низший» жанр. Чаще всего он использовался как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Но в начале ХХ в. натюрморт в русской живописи получил расцвет и впервые стал равноправным жанром. Художники искали новые возможности в области цвета, формы, композиции натюрморта. Среди русских натюрмористов можно назвать И. Ф. Хруцкого, И. Э. Грабаря, П. П. Кончаловского, И. Левитана, А. Осмеркина, К. Петрова-Водкина, М. Сарьяна, В. Нестеренко и др.

Самым известным натюрмортом П. Кончаловского является его «Сирень».

П. Кончаловский «Сирень» (1939)

П. Кончаловский "Сирень" (1939)

П. Кончаловский в живописи был последователем Сезанна, он стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству, при помощи конструктивности цвета Поля Сезанна. Известность художник получил именно благодаря своим натюрмортам, часто исполненным в стиле, близком кубизму и фовизму.

Его натюрморт «Сирень» полна этим праздничным цветом, радующим глаз и воображение. Кажется, что весенний аромат сирени доносится с полотна.

Гроздья сирени изображены обобщённо, но внутренняя память подсказывает нам очертания каждого цветочка в грозди и оттого живопись Кончаловского кажется реалистичной.

Не менее щедрым в изображении материальности мира, красочности палитры был и современник Кончаловского – И. Машков.

И. Машков «Ягоды на фоне красного подноса» (1910)

И. Машков «Ягоды на фоне красного подноса» (1910)

В этом натюрморте также буйство красок, умение радоваться каждому мгновению, которое дарит жизнь, потому что каждое мгновение – прекрасно.

Все предметы натюрморта знакомы нам, но чувствуется, что художник любуется щедростью природы, богатством окружающего мира и приглашает нас разделить с ним эту радость.

В. Нестеренко «Отец Отечества» (1997)

Это натюрморт современного художника В. Нестеренко. Тема картины выражена в её названии, а содержание раскрывается в изображении предметов натюрморта – символов императорской власти Петра I. Портрет императора расположен на фоне батальной сцены, которых было много в его жизни. Нет смысла пересказывать все те дела, за которые Петра I называют отцом Отечества. Можно слышать различные мнения о деятельности первого русского императора, но в данном случае художник выражает своё мнение, и это мнение выражено им очень убедительно.

 



  • На главную
    Реклама

  • [© 2015] Известные художники мира